▲ 画家刘文生

“艺术作品是作者内心的反映，作品展现的只是‘冰山一角’。”刘文生喜欢用淡墨描摹一种抽象、无形的状态，无意间却营造了深邃空灵、悠远而淡然的空间，给人以宁静之感。一如其人，儒雅、平和、随性。

创作的延续

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穆仲芹是刘文生的启蒙老师，他擅画花鸟，在创作中总爱将花、鸟置于一定的情境之中，焕发出沁人心脾的艺术魅力。因此，刘文生便踏上了几十年的花鸟画创作之路。“学习专业性的东西，一定要有连续性，这样才能做出成绩，所以就坚持画下来了。”中国画分为人物、山水、花鸟三个画种，不管选择哪个方向，对于刘文生来说，追求的高度都是一致的。观察、研究、积累，越学越深……

紫藤

168x120cm

1986年，刘文生以首届国画硕士留校任教，并在画坛崭露头角。在很多人认为前途似锦之时，他却于1990年毅然决定出国深造。“首先，当时的中国比较落后，国外相对先进；其次，我的创作进入了瓶颈期，再加上信息交流闭塞，所以只能依靠读书。”那时，刘文生看过几次日本画的展览，对其制作、色彩较为欣赏，“出走”的想法最终付诸实践。14年的留学生涯给刘文生的创作带来了艺术生命的延续。他接触到了很多国内从未涉及的东西，了解了全世界的艺术价值取向，并且还尝试了抽象画的创作。“很多人认为我的作品有日本画的味道，实际上我的研究生毕业作品就已经形成了最初的个人面貌，只是不那么强烈。”

亚丹地貌

68x68cm

学习了传统水墨再去接触日本画，他发现两者既有共同点，又有很大的区别。二战之前，中国和日本的传统文化同源（日本画坛“三座大山”之一的加山又造，包括很多日本艺术家都对此表示认同）。二战之后，中国相对“稳”了一些，“慢”了一些，而日本却在文化、经济、思想等方面加速西化，这给艺术领域带来了强大的冲击。重彩丰富了，色相加多了，在颜料、毛笔、宣纸等方面开始了深度的探究……“这是对中国画多色彩发展的一个实验，可借鉴性很大。”

鸡冠花

68x68cm

“中国画当时追求一种积极向上的面貌，从画中能感受到一种力量，反观日本画则讲究‘洗心’，力求达到心灵安逸的境界，激烈的东西相对要少。而平淡的心境，平和的享受，其实也具有艺术价值。画家在创作道路上，会产生一种惯性，最难突破的就是自我的束缚。从画的风格上找到一个点，确立一个目标，在不断地改变中，达到自我艺术的巅峰。”

2004年刘文生归国，第二年其作品入选中国中青年艺术家精品展。2009年，作品《紫藤》获天津美展银奖，并入选第十一届全国美展。“学习日本画，很多地方可以为我所用。比如一幅画中的某个点对我有所启发，就是一种收获。”

红山茶

68x68cm

写意的可能性

“艺术创作要有鲜明的个性，要善于从生活中发现美。”刘文生作品的风格是自然形成的，鲜有“别人的影子”。“技法上我向穆仲芹和孙其峰老师学习，去日本之后，身处不同的环境，审美也有所改变，将平和、清淡的意境不自觉地带入到了画中，并非刻意为之。”刘文生不排斥其他艺术风格。“作为艺术，它们都各具特色。只要将内心的情感淋漓尽致地体现出来，将某一个点做到高峰就很满足了。”

深秋

138x68cm

笔墨的运用是不可或缺的艺术语言。写意画讲究笔墨，但笔墨只是一种技法，八大山人、齐白石的画存在一种形式美，这和抽象的绘画有潜在的联系。“八大山人的笔墨挥洒自如、信笔点染，但其作品带给我们的却是冷淡、孤寂，这种感染力才是写意的魅力，是我不断研究与追求的目标。”刘文生的画有一部分是在抽象的基础上加上写实的东西，虚实结合间，给人以无限的遐想空间。“我作画很大胆、很坚定，不受‘形’的束缚。写意画最忌讳的就是执意将它画‘像’。我给学生讲课总是强调，要考虑画面的整体关系，不要为了‘像’而画。”

翠鸟

68x13cm

作品《雅丹地貌》是刘文生去敦煌考察之余，游历大西北的雅丹地貌，被空寂的大漠景色所震撼而创作出来的。画面中没有余白，将空白点挤到石头上，犹如生命绝迹的感觉，荒漠中一只鸟的出现就成了一种神奇。“石头上的空白是一种强烈的重墨对比下的实体，整体实感的空间表现，并没有离开写意的技法，表现的是生活中的强烈感受。”

“写意的创作过程，是技法学习之后，再去感悟生活，发现灵感，投入到创作中。”

刘文生作画是从整体画面出发，兼顾全局。即使构图相同，技法也会有所变化。“写意画讲究‘笔笔生发’，根据第一笔去画第二笔，根据已画的部分再画后面的，永远是加法形式，没有修改的可能性。这虽然是在宣纸上画水墨写意的弱点，也是这一画种最大的难度，但水墨的偶然性反过来增加了其艺术趣味，使之有不可多得之感。”

荷花

68x68cm

“新”的形式

学画之初，刘文生便钟情于紫藤。每年，到了紫藤花开时节他都会认真观察其形态，将生活化的气息糅合进去，使画面充满了春天的气息、细腻的美感、雅致的色彩，让观者驻足、遐想……

“紫藤本身具备的形式感和美感，适合中国画的表现方式。积累得多了，对技法的研究，也在不断地变化和锤炼。”看过刘文生紫藤作品的人会有一种感触：基本上每张都没有格式化的痕迹。

古人把生活中的东西通过艺术规律表现出来，转换成艺术，这在当时是创新，如今却变成了传统。刘文生的作品大多追求“意韵”，但又不同于传统文人画的味道。“我的画确实能看出些‘新’的东西。所谓‘新’就是通过对生活的细致观察，以独特的方式和审美呈现出来，设定一个构图，慢慢形成自己的面貌。”刘文生认为，生活中很多具体的东西需要亲眼看到、捕捉到，自己想象的，大部分都是概念的。“很多细节的东西稍微写实一点，就能呈现出不同的效果，这是创作出来的新形式。”这就好比很多人观其画，不看落款便知道是刘文生所作，既写实又生动。

秋韵

68x68cm

中国画本身具有抽象的艺术手段，刘文生的作品既有抽象的水墨符号又有来源于生活的写实造型。有人赞其画“大意境，极具象”。“作品如果仅为抽象符号，理解起来难度较大，如果都为具象的画面，又给人一览无余之感。”刘文生更喜欢将两者相结合，即抽象与具象之间。抽象给作品提供了无限的想象空间，而具象又给这一广袤的空间设定了一个范围,这个范围就是他内心的一种性情。

对于艺术家来说，每个人的信念都是不同的。有人想单纯地作画，有人想利用作品攫取利润，还有人想将花鸟画作为艺术品推向一个崭新的高度，刘文生是最后一种。虽然时间不充裕，但他有永不放弃的精神和不可撼动的学术信念。“我特别想去外面走走，写写生，这才是我应该干的事情。”

天地间

68x68cm

社会活动量、社会地位、画家创作水准是衡量艺术家画作的标尺。然而经过历史的检验，最终流传下来的永远是那些学术性强、风格清晰、笔墨讲究的经典。“历史是最无情的，沉淀下来的作品一定是最好的东西。”刘文生对自己的艺术信心满满，现在他认为自己已经探索出一个样式，但是作品数量还不够大、范围不够广，还需要研究。“从纯粹的艺术价值上看，自己还能更上一层。我很崇拜吴冠中，他的每幅画都是从艺术角度（包括自身感受和形式语言）来追求的，简单的几笔、几条线都能称之为作品。”

中国绘画史源远流长，虽然西方对中国画的认知有限，但随着中国的强大，刘文生坦言，其后续能量是巨大的。“很多人喜欢中国的水墨画，但它现在在全世界范围内还达不到主流艺术的标准。然而作画之人越来越多，信息量又大，再加上很多年轻人又有上进心。从社会的整体状态来看，中国画必定后继有人，国际影响力也会日益扩大，在世界艺术领域中必将树起一面旗帜。”

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